La música de arte es un término general que a menudo se utiliza para describir la música cuidadosamente cultivada, particularmente en las sociedades occidentales, y en contraste con la música popular y popular. La música de arte es un término que abarca tradiciones musicales que aplican consideraciones estructurales y teóricas avanzadas con una tradición musical escrita. En los países occidentales, la música clásica es la tradición principal. La música artística tiene dos extensiones, ya sea grave música o ligero música. Desde la Antigüedad, el género de la música de arte existió junto con otras músicas y se desarrolló a través de los períodos de la época medieval a la contemporánea. No hay características sobresalientes del estilo ya que el tiempo ha traído cambios significativos y diferencias a cada generación.
5. Descripción general y características -
La música artística es un término general que describe la música originada en la música clásica occidental. En otras definiciones, por ejemplo, Catherine Schmidt-Jones define la música artística como música que exige más trabajo y atención por parte del oyente para una apreciación total que la música popular promedio. Para Catherine, la música artística incluye desafiantes tipos de música como Jazz, Rock y Clásica. En general, la música de arte es música altamente formalizada en la que la mayoría de los elementos, si no todos, se especifican de antemano en forma escrita, y no improvisados o dejados a criterio del artista intérprete o ejecutante. La música de arte se refiere a las tradiciones clásicas que se centran en los estilos formales, invitando a la deconstrucción y crítica técnica y detallada, y al mismo tiempo requiere un esfuerzo significativamente mayor por parte del oyente. La música de arte es principalmente una tradición musical escrita, conservada en notaciones musicales en oposición a transmisiones orales, de nota o de grabación, como se ve en la música moderna y tradicional.
4. Orígenes -
La música como un todo se remonta a la antigüedad, y es posiblemente el más célebre de todos los descubrimientos o inventos de la humanidad. La música de arte como género comenzó alrededor del 11 Century. El sistema de notación del personal que caracteriza la música artística data de mucho antes del 16th Century. La notación occidental del personal fue utilizada por los compositores para expresar tonos, metros, tempo y ritmos para el intérprete. Las normas centrales para el arte de la música occidental comenzaron en 1550-1900. Los monjes en las iglesias cristianas solían cantar sinfonías clásicas y románticas alrededor de los 1700 y 1800. Más allá de la línea, especialmente antes del inicio del 19 Century, música instrumental sofisticada como el concierto, la sonata, la sinfonía, las voces mixtas y los estilos instrumentales como las óperas, que se desarrollan para dar a la música artística una sensación distintiva de otros tipos de música. La relación de la música de arte con la música popular se hizo evidente en el siglo xxx cuando los intelectuales occidentales comenzaron a glorificar la vida popular y campesina. Sin embargo, el nombre, "música clásica", solo apareció a principios del siglo 18 con la referencia más temprana al término "música clásica" que aparece en 19.
3. Propagación y desarrollo -
Las divisiones de música de arte occidental incluyen el Medieval (500-1400), el Renacimiento (1400-1600) y el período de práctica común, que incluye el Barroco (1600-1750), Clásico (1750-1820) y Romántico (1804-1910). El período 20th Century estuvo compuesto por Modern (1810-1930), High Modern (mediados del siglo 20) y contemporáneo (1975 hasta el presente). La era medieval es la fecha más larga y el registro más remoto de la música artística. La música de arte se remonta a la época medieval con la introducción del famoso canto gregoriano en los servicios de la Iglesia Católica. La música occidental luego alcanzó una forma de arte a medida que las notaciones musicales avanzaron y se centraron en temas más seculares en el período del Renacimiento. A medida que se instaló la época del Barroco, la música experimentó una expansión de rango y complejidad. En la era clásica, la música artística desarrolló un poder emocional asociado con compositores como Wolfgang Amadeus Mozart. El período romántico transformó los estilos rígidos y las formas que descienden de la era clásica en una estilización individualista. La tonalidad estaba en su apogeo en el período romántico, y luego surgió la música impresionista y permitió el uso de las disonancias extremas vistas en la música de la era moderna y continuó con la música contemporánea actual. Como los tiempos también cambiaron, la música. Desde los tiempos medievales cuando el boca a boca pasó la música a los tiempos modernos, donde la tecnología que afecta a los medios de comunicación y el transporte facilita el intercambio de estilos musicales y enfoques. Algunos de los desarrollos significativos en el género incluyen Impresionismo, desarrollado en los 1890 por el compositor francés Claude Debussy basado en la subestimación, los efectos borrosos y el uso creativo del color. El expresionismo era desarrollado por un austriaco-alemán como una expansión flagrante del Romanticismo Wagneriano basada en textos o ideas gráficamente mórbidos puestos a la vanguardia de la conciencia del oyente por atonalidad. En la mitad de 1920s, Webern y Schoenberg promovieron el Serialismo de tono 12, en el que los tonos cromáticos del piano de hoy en día están dispuestos en una fila ordenada que se usa hacia adelante, hacia atrás y en una imagen especular en cualquier dirección.
2. Practicantes notables -
En el período del Renacimiento, algunos de los compositores famosos incluyeron a Guillaume Dufay, Antoine Busnois y Gilles Binchois a principios del siglo XNXX. En el período Barroco, la instrumentación era común, y el uso del Clavicordio estaba muy extendido. Los compositores notables durante el período fueron Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi y George Frideric Handel. El notable compositor de la época clásica y, con mucho, el famoso de todos fue Wolfgang Amadeus Mozart, que fue un compositor prolífico e influyente de la época clásica. Otros compositores de transición en el romanticismo incluyen a Franz Schubert y Ludwig van Beethoven.
1. Mayor importancia y herencia -
Se dice que la música es el lenguaje del alma. En contraste con la música pop, la música artística le da poca importancia a la rima, centrándose más en la redacción y la información contenida en ella. Exigiendo más atención por parte del oyente para que él pueda apreciar el arte, la experiencia y el significado de las líneas, la música artística ha transformado la dinastía musical en un puerto de afectos humanos y tonalidad. Ha cambiado la forma en que se entiende la música y, en última instancia, ha cambiado radicalmente las concepciones clásicas y las opiniones sobre el poder de la música. El verdadero legado de la música artística es la promoción de un nuevo tipo de humanismo musical que se basa más en la melodía y la armonía en él y no en el ritmo, la textura y el tono que se ven en las culturas pop. La música artística ha conectado significativamente la música y la mente de los oyentes y, en última instancia, ha desarrollado nuestra noción moderna de la música como un arte reflexivo y expresivo.
